少し前に表現力について書きました。表現があってもイマイチなダンサーがいるのはたしか。なんだか独りよがりに見える。 その笑顔、その視線、その表現は誰に向けているのか。つまり、その踊りを「誰が見ている」のか、「誰にみせるのか」を意識なければいけません。 そこで大切なのは、「観客の視線」常に「お客さんから見てどう見えるのか」「どう見せたいのか」を意識して踊ること。 踊る自分は「これが良い！」と思っていても、観る側（観客）が美しくない、と感じてしまえば、次回観に来てもらうこともできません。「表現力を上げるには」にも書いたように、自分が共感する部分だけを表現するのではなく、共感しないことも表現する。自分が共感することは観ているお客さんは共感しないかもしれない。 観客にダンスの経験があるかないか、またその立場によって、視線や心理が異なると書かれた論文があります。観客をダンス未経験者・ダンス経験者・ダンス講師の3つのグループに分けて実験をしたもので、観る側は興味があるところしか見ないから、経験と立場で見る場所がこれだけ違いますよ、といったもの。 ダンス未経験者や初めてダンスを見た方たちは、顔に注目することが多く、表情、動き全体の雰囲気や音楽や衣装などに注目。ダンス経験者は足、手、動きの組み合わせ、腕や体の使い方などのテクニック面に注目。ダンス指導者は作品全体のイメージ、またダンサーの表現力、曲と動きの中の呼吸と流れなど、抽象的な見方をしているようでした。 この研究から、舞台によってダンサーを観るグループが異なるので、強化するべきことや指導するべきことが異なっていることが分かります。 多くのコンクールでは、指導者になった元がダンサーが審査するので、作品のイメージ、呼吸や一連の流れの強化が必要となります。指導者たちが見ている「ダンサーの表現力」とは、身体の動きや呼吸を使った表現。単なるゆっくりではなく優雅に優しく動いたり、ただの大きなジャンプではなくダイナミックでパワフルなジャンプだったり、はじけるような爽快なジャンプだったりといったストーリーを現した動きです。そうなると当然、ダンス経験者が注目しているテクニックがなければ、動きのコントロールはできません。 そしてダンサーが素人かプロかを問わず、公演や発表会などの舞台で踊る際にはバレエを全く知らない方も観にくるので、顔の表情や音楽、衣装の考慮が必要。 当たり前ですが、素晴らしいダンサーとは3つのグループが見ている全ての箇所をこなせるダンサー。 テクニックだけを追ってもダメだし、顔の表現だけでもダメ、音や体から出す雰囲気やその表現も伴っていなければいけない。そのためには踊りの背景を熟知し、衣装や小物はたまた音楽の知識を持ち、講師はそれを生徒たちに伝える能力がなければならない。 私がコンクールの審査員をしていて、「この踊りにこの衣装？」と、不思議に思う場合もあれば、「この生徒にこのステップ（または、音の速さなど）が合うのかもだけど、そうすると表現が変わってくるのではないか？！」と、点数をつける時に悩む場合もあります。ダンサー本人は何も悪くないのですが、実際、「振り付け」に点数を入れなければいけない場合もあります。 講師が恥をかくどころか、良くも悪くもその意見は生徒・ダンサーに戻ってくる。我々、講師・指導者は知識だけの頭でっかちでもいけません。 この3者の視線の違いは今後、自分が何を学び、ダンサー・生徒たちに伝えていかなければいけないのかを考えるいい機会になりました。

「ターンアウトはバレエを踊る上で重要な動き」とブログで書きましたが、なぜそんなにターンアウトが重要なのか。なぜ先生たちはターンアウトを毎回のレッスンで繰り返し言うのか。バレエってそんなものだから。。。ではなく（笑）、文献などを調べた方がこちらで書いていました。 この話をするのに１６世紀までさかのぼります。１６世紀の舞台では、観客が3か所または４か所の角度からダンサーを観ていました。その当時の足元はまだパラレル（平衡）を保った状態で前後に動いていました。 徐々に舞台が変わり、１７世紀には今の舞台のように観客が1方向から観るようになりました。（１６世紀から１７世紀まではターンアウトについて論議されている書物はあるけど、１７世紀後半にはあまり書かれていないので、そのころまでに確立したのだろうと推測されています） 話が横にそれますが、François de Lauze（１６世紀のフランスのダンス専門家）は、「女性の脚は長いスカートで隠されているため、男性だけがターンアウトを必要としている」と書き残しています。 １８世紀にはターンアウトは当たり前のようにダンサーがしていました。そのころのドイツの体操の先生であるGerhard Viethがこう書き残しています。 「ダンサーが正面（お客さんがいる方）を向いて踊る際に、つま先とひざが同じ方向を向いたパラレル（平衡）を保ったままだと、観客はひざを曲げてもひざを曲げたと認識せず、ただダンサーが短くなったと認識されてしまう。その結果、観る人はダンサーの動きがあまり理解できず、踊りの表現も動きの幅も狭まってしまう。 さらに、前後にステップをする場合、後足のつま先が前足のかかとにぶつかったり、曲がったりして、すべての軽さとスピードのステップを奪ってしまう。特に後足のつま先が最も不安定で不器用に見えてしまう」、と。 また、ダンサーが正面を向いて、横移動のステップを観客が目にすることでインパクトを与えたが、大きな劇場で踊る場合（上半身を大きく変えることなく）、足がまっすぐなパラレル（平衡）のままだと横に重心移動をさせることもできない、と。 つまり、お客さんがいる場所、ダンサーを観る角度が変わったことによって、ダンサーは動きを大きくまた美しく見せるために考え出されたテクニックがターンアウトだったわけです。 確かにひざの曲げ伸ばしが見えないまま頭が上下に動いてもただ足が短くなったとしか見えないでしょうし、何をやってるのかわからないものを見るほど退屈なことはないですよね。前方に観客がいるから左右に動いてステップの大きさを見せ、また表現したかった。その表現を安定して見せるためにためにターンアウトのようにつま先が外を向く必要があったのだなぁ。 調べれば調べるほど、当時のダンサーたちの踊りに対する取り組みや美意識に驚くばかりです。彼らのように歴史が変わるくらい観客にどう見られて、どう魅せたいかを考えないといけませね。

先週のブログで参考にした論文の最後にあったこの1文。 「身体の発達期にある中高生を対象としたことで、対象者らの自分の身体に対する意識の乏しさが浮き彫りになり、新たな問題性が引き出された。」 思春期たちめ！（笑）一番、体の変化の多い時だからこそもっと向かい合ってほしい時。でも一番、経験や知識が足りず失敗も少なく自分への関心や意識が乏しくなる時。 経験が増えた大人だからこそ、十代の知識や経験の足りなさから出る意識の乏しさが気になりますよね。でも、彼ら彼女らからしたら大人でいたい時（大人になったつもり）だからこそ、こちらのアドバイス（と言う名の小言）は言われても素直に聞かないだろうなと思います。 もちろん、今何が足りなくて将来何が必要となるかを考え、自分と向かい合う子たちもいるでしょう。でも自分の思春期時代を思い出しても、自分の体のことや将来のことを考えて真剣に向かい合うってことは少なかったし、それをうるさく言われたくなかったなぁ。 大人のアドバイスが聞けない、聞きにくい時期が思春期。自分の経験したことが全てなのも思春期。 子供たちを幼いころから成長する様子を見ていると思春期には幼い時に学んだことが全部出てくるような気がします。私が子供たちを見ててそう感じるだけで、何の根拠もないんですけどね。 幼い時に何がだめで何が良いかを理屈抜きで理解できている子供は、自分でも気持ちがコントロールできない思春期でも、どこかで「これをこれ以上やったらだめだぞ」「こうした方がいいぞ」って分かっているような気がします。 そして思春期には幼かった頃の性格がそのまま出るような気がします。つまり‘本性’が出る。 少し大人になってる分、子供の時より言動が大きくなる。その時に善悪のコントロールはすべて幼い時に学んだものが関係してくるような気がします。 だからこそ、私は中学生以上の初級クラスではあまり怒りません（笑）小学生クラスまではうるさく言いますが、初級クラスではじっと見守るだけであとは自分たちで葛藤しながら進んでいけると思うのです。間違えたことをしたり、周りに対して失礼な態度をとった時には当然、注意します。私に対して失礼な態度をとった時にも注意します。私を敬え…ではなく、その態度はよくないから改めよ、と。でもその後は自分たちで考え、判断して、次の行動に移ると思うのです。 でもでも、そう考えると自分が若かりし頃にやってしまった言動の数々。。。生徒たちの方がしっかりしてるなぁと思ってしまいます。。。

ターンアウトはバレエのテクニックの１つで、バレエを踊るうえで重要な動きです。重要であるがためにエクササイズを繰り返し行うし、何度も指導します。また間違った使い方をしてけがが多くなるのもこの股関節。股関節の柔軟性について以前ブログでも書きましたが、股関節を動かしやすくするためにのストレッチはもちろん大切です。 でも、無理なく踊るためには柔軟性だけでは十分ではない。ターンアウトを‘保つ’ことも重要なのです。体の向きを変えたり脚を動かしたときにターンアウトが崩れてしまっては美しい脚のラインを見せることができませんし、怪我をする率も高くなる。 ‘保つ’とはターンアウトの形に固定することではなく、常にターンアウトへ動かし続けるということ。ターンアウトしやすい状態を保つということなのです。何をどうすれば保つことができるか。 こちらの研究では、骨盤矯正の動き，骨盤底筋の意識，バレエの３つの要素を取り入れた12種類のワークアウトを導入してみたところ、レッスンやパフォーマンスにおいても向上がみられたそうです。 ざっくりターンアウトの動きや解剖学を説明すると。。。 骨盤と大腿骨（モモの骨）が繋がっているところがその股関節で、ターンアウトは股関節から脚を外へ回すことです。ターンアウト、つまり脚を外へ回にはすっごく簡単に言うとおしり（骨盤）についています。骨盤が傾けばターンアウトで使う筋肉がうまく使えず、どんなにターンアウトするためのエクササイズをしても、思ったように脚が動かせない。骨盤を正しく保ちつつ、脚を外旋していく。正しく動かすためには正しく骨を保つこと。骨を保つためには筋肉が正しく働くこと。 正しく働かせるためには骨を正しく保つこと。 ループ（笑） つまり論文にも合った通り、骨盤を保つための骨盤底筋をのエクササイズも重要なことの１つです。骨盤底筋のエクササイズを紹介しますね。とてもシンプルなエクササイズ。脚を開くときに呼吸を吸って、戻すときに呼吸を吐くのがポイントです。 ①骨盤を動かさないように、ゆっくりと両足を開いて閉じるエクササイズ。手のひらでおなかの動きを感じながら動かしていきます。 ②片足のみを開くエクササイズ。この時に開かない脚が動かないように。また脚を開く方に骨盤が倒れないようにするのもポイント。 ③両足を上げてゆっくり開いて閉じるエクササイズ。ひざとつま先は同じ方向を向けます。脚をたくさん開く必要はないです。 ④脚を上げて片足のみ開いて閉じるエクササイズ。開かない脚が動かないようにそっと手で押さえます。

バレリーナは堂々と舞台で踊っているので、自信に満ち溢れてキラキラして見えますよね でも、舞台で踊る前には心臓が飛び出そうなほど緊張するし、自信がそんなにあるわけでもないんです。ないものを絞り出して舞台に立っています。ふと思ったんですけど、自分に自信を持ってる人ってどれくらいいるのでしょう。これで十分って満足してる人ってどれくらいいるのでしょう… 発表会の前、今よりもっと自信を持って踊ってもらうために生徒たちに「寝る前に心の中で「今日、私はよく頑張った」「私は素晴らしい」「私はかわいい」と、言うように伝えました。 生徒たちは「え～～！💦」って困った顔をしていました苦笑 他人の前で言えば、「偉そうに」って思われるかもしれませんが、自分に言い聞かせるための言葉なので、人に聞かせなくっていい。心の中で言うのは自由です。 数年前、オリンピックで金メダル、銀メダルを獲得した小平選手がこんなことをおっしゃっていました。 「日本人はあいさつするとき、頭を下げるけど、それをするなと（オランダの）コーチに言われました。『勝てなかった時でも、勝者のように振る舞え』と。一番のカルチャーショックだったけど、そうしていることで自信が持てるようになった」、と。 あくまでも私個人の考え方ですが、頭を下げるのがダメという意味ではないと思うのです。『勝てなかった時でも、勝者のように振る舞え』と言うことではないかと。 相手を敬う、周囲の人と協調するのは、日本人の美しい文化です。相手の意見を尊重するのは大切なことです。 でも、これが行き過ぎちゃうと周りを気にするあまりに自分を見失ったり、相手に合わせすぎて自分がなくなったり、相手を敬いすぎて自分を下に見たり。。。 だからと言って、自分の意見ばかりを押し付けるのもダメですけどね。 自分の意見を伝えることと、自分の意見を押し付けることの違い。自分を素晴らしい人間だと思うこと、他人を見下すことの違い。相手を尊重、敬うことと、自分を見下すということの違い。 この区別が本当に難しいですよね。 自分の考えを伝えてもごり押ししてるんじゃないか、相手に拒否されるんじゃないかって不安。その不安は自分の自信のなさにつながり、考えても答えが出ないなら、相手の意見に合わせた方が楽。。。。なんてこともあります。 自己肯定が低いと相手を許容する範囲も狭くなりがちです。自分はこれを我慢してるから相手も我慢するべきだと考えてしまいやすい。 それが、自分はこれでいい、相手もそれでいいってお互い肯定しあえたら、相手にとっても自分にとってもプラスになるんじゃないか。 まずは自分を認めること「自分は素晴らしい！」と。自分に伝えること。「私はよくやった」と。 そう思えなくても、素晴らしくすごい人であるかのようにふるまう。そう見せようとする時、自分に何回も言い聞かせる。それが催眠術のように奥深く潜在意識に届き、本物の自信につながる。その自信は次の成長につながる。 だからオランダのコーチは「勝者のようにふるまえ」と伝えたのだと思います。

クラシックバレエやコンテンポラリーのオンラインコンクールの審査員をしていると、ひと際目立つ表現をする子、心を引き寄せる表現をする子たちに出会います。 そんな子たちの何がほかの子たちと違うかというと 視線。 考えながら自分の踊りに集中している子たちの視線はずっと床の上を見て、表現が乏しく、リズムもテンポもあいまいになりがち。そして視線が一定なので、空間の使い方も狭くなり、テクニックさえも見えにくい。 また口元だけの笑みで、どこ・だれ・何を見て表現しているのかが見えないダンサーもいます。 ひと際目立つ踊りをするダンサーは、感情も音楽も体の中に入っていて、それを踊りだけでなく視線でも表現しています。視線は舞台の先にいる人たちに話しかけるような使い方をしていて、視線が動くから手足が動き、視線の動きがあるから表情も豊かに見えます。 視線がはっきりしている人は、賢くまた魅力的に見えるとデータにも出ています。（視線があいまいな人と目が合わなかったり、それた場合は安心するという結果も出ています） この場合の「賢い」と言うのは、自分の考えをしっかり持っているという意味でしょうね。自分の考えを持ち、それを伝える。それが目の動きに出て、表現につながる。 その目の動きはどうすればはっきり見えるようになるのか。どこでもできる練習方法 目の前にある物をみてください。何でもいいです、ペンでもコップでもリンゴでも。その物質をしっかりみつめ、色、形、硬さ、温度、においを感じ取ります。触らないので、硬さや温度は想像になりますが、それを目から情報を得る。 それが「みる」と言うことだと武道の先生に教えていただきました。ぼんやり眺めてるだけでは見たうちに入らない。ほとんどの人が眺めているだけだから、記憶にも残らないし、伝えることもできないと。 「みる」から「伝える」ことができる。自分が共感する部分だけを表現するのではなく、共感しないこともあるがまま表現する。 その役の人物は何を見て、何を感じ、何を伝えたいのか頭の中の考えを飛び越えて、視線でも表現できる踊りをするダンサーは、見ている人の心を引き寄せるのだと思います。 「目は口ほどに物を言う」とはよく言ったものですね